Parte 15/27 - Comment puis-je utiliser l'espace et l'échelle ?

L'ŒIL SE DÉPLACE AUTOUR DU CADRE à peu près de la même manière que nous nous déplaçons dans le monde physique : nous prenons un chemin, nous sommes guidés par ce qui nous intéresse, et nous sommes piégés ou bloqués par des choses qui se dressent sur notre chemin. Dans de grandes pièces bien éclairées avec de hauts plafonds, nous nous sentons différemment que dans de petites pièces sombres avec des plafonds bas et sans fenêtres. Notre expérience d'une photographie est similaire, même si elle n'est qu'en deux dimensions. En fait, je me demande si notre expérience des photographies peut être encore plus claustrophobe parce qu'elles manquent de cette troisième dimension ; les éléments, tous aplatis, nous laissent moins de place pour nous déplacer entre eux.

Si nous voulons faire des images qui ont un sens de l'espace, alors nous devons être conscients du désir de cet espace et apprendre à le créer. Le contraire est également vrai; si nous voulons photographier des sujets exigus et inconfortables, alors une bonne première étape pour prendre conscience des possibilités est de se demander comment nous pouvons utiliser l'espace pour créer ce sentiment.

 La façon la plus simple de commencer à réfléchir à l'utilisation de l'espace dans une photographie est de se rappeler que le cadre est une frontière bien réelle et souvent impénétrable. Il exerce une masse visuelle, et lorsque nous considérons les éléments à l'intérieur du cadre, nous devons nous souvenir non seulement de leur relation les uns avec les autres, mais avec ce cadre. Une image dans laquelle les éléments viennent tous directement sur les bords du cadre fera quelques choses qui pourrait rendre l'image moins agréable à lire. Et ce mécontentement ou cette difficulté entraveront vos efforts pour exprimer votre sujet d'une certaine manière ou vous aideront à faire exactement cela.

 Une image dans laquelle les éléments touchent (ou s'approchent de toucher) les bords du cadre semblent peu accueillants. Cela nous rend visuellement claustrophobe et on cherche la sortie. Cela empêche l'œil de faire le genre de voyage autour du cadre qui nous fait rester plus longtemps et donne envie de prendre notre temps avec les détails. À première vue, cette vérité expérientielle semble aller à l'encontre de la règle que beaucoup d'entre nous apprennent au début : remplir le cadre ! Le fait que c'est ainsi que nous remplissons le cadre et pourquoi c'est important, devrait nous rendre tous méfiants à l'égard de toute déclaration générale qui semble trop simple.

L'idée de remplir le cadre est bonne, mais je préfère l'exprimer autrement : isoler le sujet et s'approcher au plus près pour lui donner tout son impact. 

Certaines façons de faire sont meilleures que d'autres. Imaginez que vous faites le portrait d'une femme. Vous pouvez la photographier pour obtenir le contour complet de la tête et tous les détails du visage, avec de la place pour se déplacer visuellement entre la tête et les bords du cadre. Peut-être voyez-vous un peu l'arrière-plan derrière elle. C'est un joli cadre et il y a beaucoup d'espace négatif, qui est l'espace qui n'est pas le sujet mais qui aide à le définir et à donner à l'œil la possibilité de bouger. C'est une façon de remplir le cadre avec un portrait. Le sujet est bien isolé, sans distractions, et il y a beaucoup d'espace pour bouger. C'est élégant.

Une autre option est de se rapprocher vraiment. Si proche que vous voyiez la plupart de ce visage étonnant, mais pas tellement que vous voyez les bords de la tête. Le sujet ici est juste le visage, les détails, l'expression. C'est profondément intime. Vous avez rempli le cadre, mais malgré tout, il y a de la place entre les traits les plus massifs visuellement (comme les yeux, les lignes qui forment le nez et la bouche) et le cadre. Je pourrais regarder ça pendant des heures.

Une troisième façon consiste à diviser la différence. Nous adoptons souvent cette approche en tant que débutants, et certains d'entre nous ne s'en sortent jamais. Tu remplis trop le cadre pour me donner de la place pour bouger mais pas au point de donner au visage son propre rôle. La ligne qui forme la forme de la tête est si proche du bord du cadre qu'elle crée une tension. Cela crée de petites zones entre la tête et le cadre qui emprisonnent mon œil. Mon œil ne bouge pas tant autour du cadre qu'il se sent tendu et se demande pourquoi vous venez de tout entasser. Bien sûr, le cadre est plein, mais à quelle fin ? La « règle » a été respectée, mais pas de telle sorte que vous ayez réalisé une photographie élégante, intime et facile à lire.

Est-ce OK? Suis-je en danger d'établir moi-même une règle stupide ? Oui, ça peut aller. Il peut bien y avoir des cas où vous voulez ce genre de tension, quand vous voulez me mettre mal à l'aise parce que le sujet lui-même vous fait ressentir cela et que vous utilisez tous les outils disponibles pour me faire sentir à l'étroit, tendu, distrait et claustrophobe. Mon point le plus important est le suivant : ce dont nous avons besoin, ce ne sont pas de règles telles que "remplir le cadre", mais de principes directeurs qui disent : "Si je considère ceci et que je fais cela, cela aboutira à ceci ou à cela". Ensuite, nous faisons des choix en fonction de notre vision.

Considérez comment l'espace dans le cadre vous fait vous sentir. Si vous voulez une sensation d'immensité, alors votre utilisation de l'espace dans l'image aidera ou entravera cela. Vous pouvez également penser à cela en termes d'échelle. Nous avons exploré l'idée de contraste, et l'échelle est essentiellement un contraste de taille et d'espace. Habituellement, l'échelle est créée en montrant un contraste entre un élément et un autre élément d'une taille connue. Nous sentons à quel point l'enfant est petit lorsqu'il se tient à côté d'un arbre géant; nous remarquons la taille de l'éléphant lorsqu'il se tient à côté d'une voiture. C'est l'échelle, et cela nous aide non seulement à donner un sens aux proportions, mais aussi à les ressentir.

Un sens de l'échelle peut également être créé en contrastant un élément avec le cadre lui-même. Oui, l'enfant est au pied d'un grand arbre ; nous avons compris. Mais allez plus loin, donnez-moi plus d'espace autour de cet enfant, et laissez-moi voir à quel point l'arbre est grand - rendez l'enfant petit par rapport au cadre lui-même - et vous créerez un contraste beaucoup plus grand. Bien sûr, il y a un point où aller trop loin fera s'effondrer l'image, et vous perdrez l'impact que vous essayiez si fort de créer, mais il n'y a rien à perdre en expérimentant.

L'une de mes photos préférées d'une aventure dans le désert de Gobi en Mongolie est une image que j'ai faite d'un photographe sur les dunes. Il est petit, non seulement par rapport aux grandes dunes, mais au cadre. Il ne remplit probablement que cinq pour cent du cadre, si c'est le cas. J'ai des photos dans lesquelles il est plus grand, mais elles manquent d'impact. Et j'ai des photos dans lesquelles il est plus petit, mais elles manquent d'informations ainsi que d'impact. Au lieu que le spectateur pense à quel point le photographe se sent petit dans un si vaste désert, il se demande ce que pourrait être ce petit élément sombre dans le cadre.

Ce n'est pas la fin de la conversation sur l'utilisation de l'espace. Nous l'explorerons plus en détail lorsque nous discuterons de la profondeur dans le chapitre suivant. Pour l'instant, pensez à l'espace à un niveau bidimensionnel et demandez-vous :

Quelles décisions puis-je prendre pour permettre à l'œil de se déplacer plus librement dans le cadre ?

Mon sujet s'exprime-t-il mieux avec une utilisation plus libérale de l'espace, ou un sentiment plus restreint serait-il plus approprié ? Essayez-le ! Trouver!

Suis-je conscient des éléments qui croisent le cadre ? Gênent-ils le mouvement de l'œil ?

Est-ce que je remplis le cadre avec mon sujet, mais que je sabote cet effort en négligeant l'idée d'espace négatif ?

Puis-je utiliser une échelle ou un contraste de taille entre les éléments pour exagérer l'expérience de cette taille ?

Pourrais-je utiliser la taille du sujet par rapport au cadre lui-même pour impliquer quelque chose à propos de ce sujet ou apporter une sensation plus spacieuse à l'image ? Le contraire me servirait-il mieux ?

J'espère que vous avez pris à cœur ma suggestion d'étudier à la fois vos images et les images des autres en relation avec toutes les questions que je pose ici. La façon d'apprendre tout cela - de vraiment s'approprier ces idées - est de poser les questions, d'y réfléchir par vous-même. Et bien que vous deviez éventuellement le faire avec l'appareil photo à l'œil, cela peut commencer par des photos devant vous. Comment le photographe a-t-il utilisé l'espace ? Quelles décisions le photographe a-t-il prises avec l'espace ou l'échelle négatif ? À quoi ressemblerait cette photographie si le photographe faisait des choix différents ? Est-ce que ça ressentirait la même chose ? Pourquoi

Traduit et inspiré du livre de David Duchemin, The Heart of the Photograph,

100 questions for making stronger, more expressive photographs.

Par Yves Bériault