• Partie 04/27 - Meilleurs sujets
SI NOUS DEVONS ALLER AU-DELÀ de l'idée du bon et créer une série de questions qui informent notre travail et nous poussent à faire un travail qui fait ce que nous voulons qu'il fasse, alors nous devons discuter des alternatives au « bon ».
L'alternative la plus évidente au bon est la perfection. Nous parlons souvent de quelque chose qui est bon, mais quand c'est encore mieux - quand il ne peut pas être affiné davantage - c'est parfait. Mais si la question « Est-ce bon ? » est problématique, alors « Est-ce parfait ? » l'est encore plus. C'est sans réponse. Et comme objectif, il est inatteignable. Si « Est-ce que c'est bon ? » essaie de toucher une cible en mouvement, alors « Est-ce parfait ? » essaie d'atteindre une cible qui n'existe pas mais qui a un effet très réel et toxique sur l'esprit créatif. Mais puisque le mot revient si souvent, je veux proposer deux réflexions avant de passer à l'exploration de ce que signifie mieux que bon - au lieu de ce qu'il ne signifie pas.
Même si nous semblons nous efforcer d'y parvenir, en tant qu'humains, nous ne résonnons pas avec le parfait, du moins pas avec l'idée du parfait comme « sans défaut ». En fait, ce sont souvent ces choses avec des défauts qui nous attirent le plus. Dans les livres et les films, ce n'est jamais le personnage parfait auquel on s'identifie, par exemple. Sur le plan photographique, je pense que l'une des raisons pour lesquelles nous constatons une augmentation de l'utilisation de la pellicule est qu'il s'agit d'un support moins que parfait, comme les disques vinyles, où la qualité de l'enregistrement analogique, bien que plus riche et plus attrayante pour beaucoup oreilles, est imparfaite. C'est à ces imperfections que nous sommes souvent attirés.
Les Japonais ont un nom qui honore cette notion. C'est une idée appelée wabi sabi, et bien que je ne prétende pas être capable d'en communiquer les subtilités, le wabi sabi consiste à trouver la beauté dans l'imparfait et le déclin, non pas malgré ces choses, mais à cause d'elles. Le terme lui-même et l'art créé dans cette perspective reconnaissent que nous pouvons faire mieux que la perfection, que l'âme et le sens doivent être trouvés dans ces imperfections, que les défauts ont leur propre sens et beauté.
La deuxième pensée est que la poursuite de cette perfection sans faille se traduit souvent par moins de travail accompli, et lorsque nous sommes paralysés par le besoin de faire quelque chose de parfait avant de le publier, nous ne le terminons jamais. Ceci est en opposition directe avec l'idée que nous devons créer consciemment de plus en plus de travail afin d'améliorer notre métier et les résultats de celui-ci. Ainsi, paradoxalement, la poursuite de l'impeccable peut être la chose même qui sabote notre processus d'apprentissage et nous empêche de créer un travail mieux que bon.
Ainsi, lorsque nous parlons de «mieux que bon», nous ne voulons pas dire qu'il transcende le bien ou qu'il est parfait. Nous voulons dire que c'est une alternative au (simplement) bon comme moyen d'évaluer et de parler de nos images.
Par exemple, si vous comprenez comment le flou de mouvement peut imprégner une photo de cette sensation de mouvement, lui communiquant à la fois des informations (je comprends maintenant que la personne bouge) et un impact (je sens la vitesse de cette personne se déplacer), alors cela peut informer votre choix de la vitesse d'obturation à utiliser. La personne sur la photo étant floue à cause de la vitesse d'obturation lente ne rend pas la photo bonne ou mauvaise. Ce qui compte, c'est votre intention et votre vision de l'image : ce que vous espériez que la photographie ferait, d'abord pour vous, puis pour ceux qui liraient l'image. Rappelez-vous, bon n'est pas le point. À certaines fins dans cet exemple, l'image dans laquelle le sujet est flou serait exactement sur le point, et à d'autres fins, cette technique même donnerait au sujet tout sauf sa meilleure expression.
Avant de faire ces choix, cependant, nous devons considérer notre sujet, en commençant par identifier ce qu'est réellement ce sujet. Traditionnellement, on nous a appris à considérer notre sujet comme la chose que nous photographions. Ce n'est pas une si mauvaise définition, tant que nous sommes libres d'inclure les idées elles-mêmes comme ces choses. Imaginez que vous et deux amis photographiez dans une forêt, tous les trois pointant vos objectifs vers les deux mêmes arbres. Votre sujet est-il les arbres ? Il pourrait l’être. Mais cela pourrait aussi être la hauteur des arbres dominant le sol de la forêt. Cela pourrait être la relation d'un arbre à un autre, l'un vieux et mourant, l'autre jeune et prospère. Il pourrait également s'agir des petits oiseaux chanteurs sur une branche de l'arbre, rendus minuscules par leur contexte et l'échelle que les arbres leur donnent. Ou cela pourrait être le mouvement des arbres dans le vent.
Chaque sujet dans cet exemple est différent. Bien que vous photographiiez tous la même chose, les idées photographiées sont différentes. Et parce que les idées sont différentes, chacune sera mieux exprimée différemment. Un photographe peut choisir de photographier en noir et blanc pour détourner l'attention des riches couleurs vertes et la diriger plutôt vers les textures. Un autre peut utiliser un objectif large pour obtenir plus de contexte dans le cadre ou créer un sens d'échelle différent, tandis qu'un autre peut utiliser un objectif plus long pour isoler une juxtaposition ou un contraste particulier. Chacun vise à inclure ce qui est important pour l'expression du sujet tel qu'il le voit et à exclure ce qui ne l'est pas.
Dans mon travail de photographes, j'ai constaté que souvent leurs photographies s'amélioraient beaucoup non pas en apprenant des techniques ou en affinant une capacité à faire une photographie techniquement compétente, mais en acquérant une plus grande clarté sur le sujet réel de l'image et ce que le photographe veut en dire. J'ai trouvé les trois questions suivantes utiles dans cette exploration:
La photographie a-t-elle un sujet clair et unique ?
Qu'est-ce qui, dans ce sujet, me préoccupe, m'accroche ou m'attire ?
Qu'est-ce que j'essaie de dire ou de souligner à propos de ce sujet ?
Discutons de chacun à tour de rôle.
La photographie a-t-elle un sujet clair et unique ?
Cela semble être une bonne première question, car il est inutile de discuter de la meilleure façon d'exprimer votre sujet si vous n'avez aucune idée de ce qu'est vraiment ce sujet. Si cette question ne vous mène pas jusqu'au bout, ou si vous avez besoin de reculer davantage, essayez ceci : ne vous autorisez pas le luxe que votre sujet soit une chose en soit. Faites-en une idée.
« Mais je photographie des paysages ; Comment ça marche?" Faire la photographie sur la relation entre la terre et la mer. Faites-en le contraste entre l'écorce rugueuse de l'arbre au premier plan et les délicates traînées de nuages en arrière-plan. Faites-en un jeu de texture et de couleur. Trouvez ensuite des moyens de faire ressortir cette idée, de donner à cette relation ou à ce contraste plus d'impact et de réduire l'impact d'autres éléments ou idées concurrents.
Une autre façon d'aborder cela est de vous demander de quoi parle cette image.
"Eh bien, c'est à propos de l'ours."
D'accord, mais qu'en est-il de l'ours ? S'agit-il du pouvoir de l'ours, du mouvement de l'ours, de l'ours et de son environnement, de la lutte pour la survie ?
"Oui! Tout ça!"
Non. Ce n'est pas toute ces choses. C'est une liste de sujets, pas un sujet. C'est trop demander à une image fixe. Aucune photographie ne peut contenir tout cela et avoir encore un impact. Plus vous essayez d'entasser d'informations, moins vous aurez d'impact.
Qu'est-ce qui, dans ce sujet, me préoccupe, m'attire ou me touche ?
C'est une autre façon d'aborder le sujet et la nécessité de trouver un crochet unique. Pour ceux d'entre nous qui se soucient en fin de compte de connecter notre vision du monde avec les autres, être capable d'isoler cette idée ou de la résumer à la seule chose qui nous tient le plus à cœur est un bon moyen de trouver ce point de connexion. Si vous vous en souciez profondément, il y a de fortes chances que d'autres s'y connectent également, en supposant que vous avez été fidèle à vous-même et à votre vision.
Je pense que le dramaturge et nouvelliste russe Anton Tchekhov l'a magnifiquement dit : « Ne me dites pas que la lune brille ; montre-moi le reflet de sa lumière sur le verre brisé. Le premier concerne des faits simplement énoncés; ce dernier concerne l'interprétation. Et même si votre désir en tant que photographe est de transmettre des informations et des faits, vous devez toujours trouver un moyen de vous connecter car personne ne veut lire une histoire sans un but ou sans crochet.
Qu'est-ce que j'essaie de dire ou de souligner à propos de ce sujet ?
C'est là que nous commençons à trouver des indices sur la façon de donner à notre sujet sa meilleure expression - en déterminant ce que nous essayons d'en dire et comment cela pourrait être traduit visuellement. Cela commence par des décisions de base, telles que l'orientation du cadre. Un cadre vertical demande au lecteur de lire l'image de haut en bas. Il y a une énergie verticale créée lorsque nous faisons cela. Mais si votre sujet est beaucoup plus horizontal, il y a de fortes chances que vous n'exprimiez pas bien votre sujet.
Il en va de même lorsque vous utilisez un format d'image vraiment dynamique, comme un large 16:9, pour exprimer, par exemple, une scène sereine. Cela peut bien fonctionner, selon la scène, mais il pourrait être préférable d'utiliser un cadre plus serein, comme un carré, pour créer une meilleure expression de ce sujet. Autre exemple : un couple à un mariage danse, et il y a du mouvement et de l'énergie partout. L'image parle-t-elle de cette énergie et de cet abandon ? Il se peut qu'un obturateur lent et un flash synchronisé avec le rideau arrière de l'obturateur - souvent appelé "faire glisser l'obturateur" - donnent une meilleure expression à ce sujet qu'une vitesse d'obturation plus littérale de 1/1000e de seconde qui fige tout. Bien sûr, c'est figé comme dans la glace. Mais cela peut aussi être ennuyeux. Il risque de perdre l'énergie qui fait tout l'intérêt de l'image. Se demander ce qui est le plus important, ou de quoi parle vraiment cette image, est la première étape pour explorer les possibilités de la meilleure façon de l'exprimer.
Parce que je parle en termes de meilleure expression d'un sujet, s'il vous plaît ne me confondez pas en disant qu'il n'y a qu'un seul ensemble de décisions «correctes» et que c'est la tâche du photographe de le trouver. Je ne peux même pas imaginer la pression et la paralysie créative qui se produiraient si nous abordions notre travail de cette façon. Ce que je dis, c'est qu'il existe toutes sortes d'options, et vous pouvez choisir celle qui vous convient le mieux, en ce moment, dans ces circonstances.
Traduit et inspiré du livre de David Duchemin, The Heart of the Photograph,
100 questions for making stronger, more expressive photographs.
Par Yves Bériault
